Dalí

Salvador Dalí (Figueras, 11 de mayode 1904 - Figueras, 23 de enerode 1989), primer marqués de Púbol, fue un pintor surrealista español nacido en Cataluña.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizada en 1931.
Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo» que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.
...que no conozca el significado de mi arte, no significa que no lo tenga..."La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco".
Salvador Dalí

"el surrealismo habrá servido por lo menos para dar una prueba experimental de que la total esterilidad de los intentos por automatizar han llegado demasiado lejos y han llevado a un sistema totalitario...La pereza contemporánea, y la total falta de técnica, han alcanzado su paroxismo en la significación sicológica del uso actual de la institución universitaria".
Salvador Dalí

"Uno debería ser capaz de conservar en la cabeza simultáneamente las ideas de que Dalí era al mismo tiempo un excelente dibujante y un irritante ser humano. La una no invalida, o efectivamente, no afecta a la otra".
Salvador Dalí

cartas a Salvador Dalí

Carta de andré bretón a salvador dalí:

Querido amigo:
(…)
Sabe que en lo que a mí respecta, nada tengo en tan alta estima en el surrealismo como el rigor moral y la integridad que ha sido posible preservar hasta la fecha al precio de numerosos sacrificios, pero a fin de cuentas eso no tiene importancia. Por más dificultades que hayamos hallado en el terreno de la acción política no es el momento todavía de liquidar los compromisos contraídos por el surrealismo cuando hizo suya la absoluta necesidad de la Revolución proletaria. Es una afirmación categórica que constituye nuestro más claro estatuto moral y contra la que es inadmisible que se alce una sola voz aunque sea la suya.
(…)
ANDRÉ BRETÓN



Respuesta de Salvador Dalí:
La falta toda del más leve conocimiento de vuestra responsabilidad histórica es descomunal. Puede esto perdonarse a los millones de revolucionarios que no tienen idea de lo que significa el surrealismo, pero vosotros sabeis que el surrealismo representa, y en estos momentos del embrutecimiento moral de Rusia más, el único devenir existente en el mundo, del espíritu y (moral) realmente subversivos, es imperdonable. Después de tu nueva posición comunista te veo ya tan lejos como al Federiquito con su romancero gitano, para mí te veo como uno más que ha cedido al curso de los nuevos conformismos.
YO DEFENDERÉ SIEMPRE LA SUBVERSIÓN TOTAL DEL ESPÍRITU.
¡VIVA EL SURREALISMO!
SALVADOR DALÍ

cartas a Salvador Dalí

A Gala y Salvador Dalí:

Está expléndida Gala con su terciopelo pardo

listado con lineas onduladas. Piel blanca

alrededor de la nuca, talegada carmínea

bajo el hombro izquierdo, cuatro grandes ojos

en los que se agrupan en (...) concéntricos

la crueldad, la inteligencia, de nuevo la crueldad

y la juventud. Basta abrir la ventana para que

el acontecimiento se divulgue por el campo.

La casa está oculta bajo grandes plátanos.

¿Acudirá el elegante desconocido, el peripuesto

ataviado con pana marrón y corbata de piel

blanca? el tiempo es tormentoso, es él,

es Salvador, intactas sus grandes alas,

es el genio y el valor, sin el menor rasguño.

André Bretón


André Bretón y Marcel Duchamp, André Bretón au lavoir noir avec une fenêtre de Marcel Duchamp, París, G.L.M., 1936

Dedicatoria autógrafa de André Bretón a Gala y Salvador Dalí
(Gala es la mujer y musa de Salvador Dalí)

clasificaciones de los colores

Colores cálidos y colores frios
Las valoraciones de cerca y de lejos se asocian psíquicamente con otras sensaciones. La clasificación más generalizada de los colores los divide en fríos y calientes. El diámetro que divide al círculo cromático en esas dos partes es el que une el punto amarillo verdoso con el violeta.
Los tonos cálidos no solo invitan a la proximidad sino que parecen serlo intrínsecamente respecto a la lejanía de los fríos. Las asociaciones de ideas pueden tener un peso en su apreciación, ya que el mar y el cielo suelen estar más lejos que la tierra ocre o rojiza, y también los últimos términos de unos paisajes son más azulados que los más próximos.
Hay que ser prudente a la hora de asignar un valor de proximidad o lejanía a estos colores fríos y calientes. La mayor saturación de un color frío se suele imponer como más próximo respecto de otro cálido bastante apagado. Sin duda, la lejanía de los turbios y acromáticos respecto de los vivos y saturados tendría k ver con la percepción natural de los colores en el espacio y la atmósfera interpuesta. También las organizaciones del engranaje gestáltico de figura y fondo, o las interrupciones formales de unas formas sobre otras, son más determinantes para decidir la proximidad o lejanía de un color que la primera clasificación dada según su tonalidad.
Los colores cálidos dan sensación de actividad, de alegría, de dinamismo, de confianza y amistad. Estos colores son el amarillo, el rojo, el naranja y la púrpura en menor medida.Los colores fríos dan sensación de tranquilidad, de seriedad, de distanciamiento. Colores de este tipo son el azul, el verde, el azul verdoso, el violeta, cian, , y a veces el celeste. Un color azul acuoso es perfecto para representar superficies metálicas. Verdes oscuros saturados expresan profundidad.



Colores claros o luminosos y oscuros
Los colores claros inspiran limpieza, juventud, jovialidad, como ocurre con amarillos, verdes y naranjas, mientras que los oscuros inspiran seriedad, madurez, calma, como es el caso de los tonos rojos, azules y negros.

Gama de grises
Son colores neutros, formados por igual cantidad de rojo, verde y azul. Los grises son colores idóneos para expresar seriedad, ambigüedad, elegancia, aunque son por naturaleza colores algo tristes. En general, las tonalidades de la parte alta del espectro (rojos, anaranjados, amarillos) suelen ser percibidas como más enérgicas y extravertidos, mientras que las de las partes bajas (verdes, azules, púrpuras) suelen parecer más tranquilas e introvertidas. Los verdes y los azules se perciben calmados, relajados y tranquilizantes. A la vez, los rojos, naranjas, y amarillos son percibidos como colores cálidos, mientras que los azules, verdes y violetas son considerados colores fríos. Las diferentes tonalidades también producen diferentes impresiones de distancia: un objeto azul o verde parece más lejano que un rojo, naranja o marrón. Hay que tener en cuenta siempre que la percepción de un color depende en gran medida del area que ocupa, siendo muy difícil apreciar el efecto de un color determinado si este se localiza en una zona pequeña, sobre todo, varia mucho si está rodeado de otros colores.


Grupos de colores

Colores acromáticos : aquellos situados en la zona central del círculo cromático, próximos al centro de este, que han perdido tanta saturación que no se aprecia en ellos el matiz original.
Colores cromáticos grises : situados cerca del centro del círculo cromático, pero fuera de la zona de colores acromáticos, en ellos se distingue el matiz original, aunque muy poco saturado.
Colores monocromáticos : variaciones de saturación de un mismo color (matiz), obtenidas por desplazamiento desde un color puro hasta el centro del círculo cromático.

visibilidad y lectura de los colores

La combinación de dos colores como figura y fondo, más va a resistir la distancia a la que se ve cuanto más se mantenga el contraste de claridad. Por tanto, si los valores de los colores de la figura y el fondo son parecidos, por más que cromáticamente sean muy opuestos, se distinguirán muy mal. Por otra parte las relaciones más frágiles y que primero dan paso a la asimilación, también lógicamente se verán peor que aquellas que conservan el contraste a mayor distancia.
En los ejemplos aparece una figura negra sobre un fondo amarillo. El amarillos es un color muy claro que contrasta mucho con el negro pero no irradia tanta luminosidad sobre la figura negra, no deslumbra tanto. Por razones parecidas, una figura blanca sobre un fondo negro se ve bastante peor que si fuese amarilla

el lenguaje visual

María Acaso, El Lenguaje Visual. Paidós; arte y educación. Barcelona 2006, ISBN: 978-84-493-1911-2

El libro muestra que el campo de la imagen abarca solo productos visuales bidimensionales pero que el lenguaje de las imágenes; es decir el lenguaje visual es una herramienta de comunicación que se maneja prácticamente en todos los campos profesionales y en todas las dimensiones. El uso de una comunicación adecuada es determinante para la eficacia del producto visual.
Pretende dar una visión clara de cuáles son las herramientas empleadas en la creación de una representación visual y de los diferentes tipos de representaciones que se crean mediante dichas herramientas. Al final del libro hay un sistema de análisis de imágenes; como resumen de todo lo que se ha explicado en el libro.
Es un libro que sirve para diversos campos; creadores de imágenes (artistas, diseñadores, publicistas…) también podría servir para profesores relacionados con el campo de la educación artística. Pero sobre todo es destinado a todo aquel que quiera aprender la capacidad que tienen las imágenes para crear una opinión, convencernos sobre un tema o influirnos de una determinada manera a la hora de pensar. Porque hoy en día cada vez hay más mensajes visuales en el mundo que nos rodea, y hay que saber llegar al verdadero mensaje que las representaciones visuales esconden. De hecho el lenguaje de las imágenes es mucho más rápido y más sencillo de hacer llegar a los demás que cualquier otro lenguaje.
Este libro se estructura en 4 capítulos:
El primer capítulo; del lenguaje visual al mensaje visual; donde explica la importancia de una imagen, su capacidad para engañar al espectador y que una imagen no es la realidad.
En el segundo capítulo habla sobre las herramientas del lenguaje visual; el tamaño, forma, formato, marco, soporte, color, iluminación, textura, forma, composición, retórica… de una imagen, todo esto se debe elegir antes de llevar a cabo una obra.
El tercer capítulo habla sobre el tipo de representaciones mediante el lenguaje visual; bidimensionales, tridimensionales, informativas, comerciales, artísticas…
El cuarto capítulo es una propuesta de análisis por pasos.
En mi opinión es un libro fácil de leer, viene muy ben explicado y detallado las cosas importantes, y además me ha servido no solo para una asignatura sino para varias y aparte para mi propio interés porque antes de leer este libro no sabía la cantidad de poder de comunicación que puede tener una imagen, no sabía que la publicidad era tan poderosa.
Ha sido muy útil leer el lenguaje visual

trabajo en grises

Este trabajo lo he hecho porque el anterior bodegón en grises lo suspendí por eso lo he repetido.
Me ha llevado bastante tiempo el encaje de las piernas. Lo que primero hice fue quitar el blanco del papel dando una aguada gris, y luego hice el encaje, que me llevó demasiado tiempo ya que hice una cuadrícula para que me saliera bien.
Lo que tuve que repetir varias veces fueron las arrugas del pantalón porque cuando las hice no parecían arrugas, parecía todo plano y no daba sensación de movimiento, pero después de insistir varias veces me quedó aceptable. A la hora de pintar lo hice más rápido que el bodegón que suspendí porque ya había probado con ese y no era la primera vez como el anterior.

trabajo en azules y amarillos

Este trabajo se ha ido complicando más que los anteriores porque había que analizar muy bien la luz; las zonas más oscuras en azul y las más claras en amarillo pero el problema eran las zonas intermedias entre luces y sombras, si había que hacerlas verdes o no… al final yo apenas utilicé la mezcla entre azul y amarillo para que saliera verde sino que aclaraba y oscurecía los tonos; saturaba o desaturaba dependiendo de la luz que incidía en esa zona.
Fue difícil conseguir el volumen de los balones, porque una vez que los tenía ya hechos me daba cuenta que parecían planos y no con volumen, por eso tuve que repetirlos bastantes veces. Tampoco me salió a la primera los reflejos redondos que había en los balones oscuros pero cuando los volví a hacer salieron mejor. Lo más fastidioso es que el acrílico seca tan rápido que no da tiempo a hacer muchas cosas.
El resultado final fue mejor de lo que esperaba al principio. Y se ve una diferencia entre la temperatura de la luz en los 3 balones oscuros, los 2 rojos y el blanco.
El encaje lo hice con compás aunque luego no los pinté totalmente redondos porque están un poco achatados .

los colores y la personalidad

Las investigaciones sobre la física, la bioquímica y la psicología de los colores han revelado fenómenos muy interesantes. Por lo pronto, la opinión de que los colores son un lujo de la naturaleza, que se permite estos adornos para agradar la vista, no puede sostenerse. En primer lugar, porque el órgano de la visión no es el único sistema que percibe variaciones luminosas cromáticas.
Para demostrarlo, en la Universidad de Viena se verificaron diversos experimentos exponiendo a muchas personas, con los ojos vendados o ciegas, a la acción de lucex de diversa longitud de onda, que vale tanto como decir de diversos colores. Todos reaccionaron los mismo. La luz blanca no provocó ninguna respuesta. En cambio, las otras sí. Sin que ninguna pudiera verlas, la amarilla les hizo mover inconscientemente los brazos; la roja los atrajo, y la azul los repelió. De esto se deduce que las sensaciones cromáticas no solo entran en el organismo humano por la doble ventana de los ojos. Debe existir otro aparato receptor situado en la piel, en cierto modo semejante al de algunos seres inferiores.
Desde hace mucho tiempo, se sabe que los ciegos detectan las vibraciones de la luz mejor que quienes disfrutan de buena vista, lo que hace suponer que tales vibraciones actúan no solo sobre la sensibilidad, el ritmo respiratoria y la presión sanguínea, como ya es sabido, sino en muchas más facetas de las que generalmente imaginamos. Modernamente, asi lo ha confirmado la Psicología experimental, que atribuye a los diversos colores el siguiente simbolismo:

BLANCO: Síntesis de todos los colores, en sentido positivo significa perfección, pureza, verdad, inocencia, gloria, integridad, firmeza, obediencia, elocuencia, iniciación, perdón. En sentido negativo puede representar frialdad, poca vitalidad, vacío, ausencia.
El algunos países orientales el blanco es color de luto. En la naturaleza es el color de la nieve, de los lirios, de los pulcros cisnes. Es el color preferido por los decoradores porque da luminosidad y favorece la integración de cosas muy diversas.
VIOLETA: Abarca los matices conocidos como añil, índigo, violeta, lila y morado. Significa humildad, retiro, recogimiento, religiosidad, tolerancia, intuición, sabiduría, temperancia. Pero también nostalgia, melancolía, conformismo, soledad extrema. Color propio de los arrepentidos, penitentes, deprimidos, asi como de personas de débil vitalidad, frioleras, viejas antes de tiempo.
En el extremo de esta gama se halla el ultravioleta, cuyo significado es el misticismo y desenvolvimiento de facultades parapsíquicas.
ESCARLATA: Abarca los matices conocidos como carmín, carmesí, escarlata y púrpura. Significa grandeza, dignidad, sabiduría. Pero también indignación, dogmatismo, egoísmo.
ROJO: El más cálido de los colores, estimula y dinamiza. Significa fortaleza, amor, sacrificio, audacia, optimismo, victoria. Pero también sangre, fuego, agresividad, pasiones violentas.
NARANJA: El más generoso de los colores y punto de equilibrio entre la libido y el espíritu. Significa confianza en sí mismo, vigor, estímulo vital. Pero también puede significar tentación lujuriosa, orgullo, ambición.
AMARILLO: Color del sol y del oro, significa luz, inteligencia, constancia, nobleza. Pero también envidia, avaricia, hipocresía.
VERDE: Color de la Naturaleza en primavera. Significa esperanza, fe, respeto, servicio, amistad. Pero también angustia y ansiedad. Al veneno se le acostumbra a representar de color verde.
AZUL: El más frío e inmaterial de los colores. Color del infinito, del cielo y del mar, significa fidelidad, justicia, verdad, caridad. Pero también miedo, desvarío.
En Siria, el azul celeste es el color del luto, significando el cielo que se desea para las almas de los difuntos.
GRIS: Color del plomo, del tiempo lluvioso, de las rocas.
Como el beige y el marrón, es un color neutro que evoca un poder suave y sutil, el recuerdo de la infancia. Su significado es mucho más favorable cuando aparece limpio y claro que cuando es sucio y oscuro. Significa sensatez, experiencia, sentido común, justa medida entre mentalidad y emotividad, entre actividad y pasividad. Pero puede significar depresión, indiferencia, astucia y engaño. Las hojas secas al marchitarse adquieren el color beige.
NEGRO: Negación de todos los colores, simboliza la noche, la nada, el abismo, las tinieblas. Significa rigor, prudencia, honestidad, seriedad, elegancia. Pero también tristeza, luto, inconsciencia, odio.
Realce De La Personalidad
Los colores han acompañado siempre al ser humano, desde muchos milenios, en sus diferentes épocas y culturas. Ya en las tribus más primitivas, tatuajes y maquillajes de diversos colores han constituido una constante, si bien usados principalmente por los líderes para distinguirse del resto del pueblo. Los pigmentos que utilizaban eran extraídos de algunas plantas o de la tierra, como las sales de cobre y manganeso.
Época de esplendor en el uso de colores fue la de los faraones, en Egipto, donde empezaron a usarse los colores azul de lapiz lázuli, verde malaquita y rojo púrpura, este último extraídos de unos moluscos del Mediterráneo.
En la corte de Francia, en la época de los "Luises", los nobles, además de vestir diferente para distinguirse de la gente común, iban maquillados con la tez blanca, con polvos de arroz, párpados azules, labios rojos y un lunar tafetán, que según colocación significaba una cosa u otra.
Con la misma finalidad de realzar su personalidad, ya sea por el poder personal o por la fuerza del grupo, aun hoy se utilizan los uniformes de diversos colores y se procura distinguirse o elevar la altura de los gorros, aparatosos sombreros, etc. Por esto, socarronamente, la gente del pueblo advierte: Desconfiad de los que visten diferente de nosotros".

ver Italia y morir; fotografía y pintura en la Italia del siglo XIX. FUNDACIÓN MAPFRE

Esta exposición trae a la actualidad la atmósfera bella y mágica con la que fue descrita la península italiana por artistas y viajeros a lo largo del siglo XIX, en un momento en que la fotografía dota de un nuevo sentido, al permitir una forma de transmisión más allá del dibujo o la pintura y que dió lugar a un nuevo concepto en la representación del paisaje, la arquitectura y las obras de arte.
Ver Italia y morir propone un viaje por la Italia decimonónica para poder apreciar los cambios históricos y sociológicos que ocurrienron a lo largo del siglo XIX.
El artista busca inspiración y conocimiento de la cultura clásica a la vez que de sí mismo. Y después del viaje, la necesidad de rememorarlo y fijarlo para siempre en el tiempo.
Según se populariza la fotografía, los lápices y pinceles siguen también acompañando a la cámara. Aparece una nueva forma de mirar a Italia que trasciende incluso la perspectiva del artista: ahora es posible reproducir objetivamente lo que se ve y multiplicar el recuerdo: nace una nueva manera de crear memoria; y así comercializarlo con las guías de viajes, las postales, souvenirs…
Probablemente, Italia es uno de los países que a lo largo del tiempo ha sido más representado, más visitado y que más adoración ha suscitado. El viajero se ha visto fascinado por su paisaje y sus gentes, por su cultura clásica, renacentista y barroca, y ha dejado huella en artistas e intelectuales.




















La fuente de las tres entradas sobre la exposición: folletos informativos que nos dieron duarante el recorrido.

La danza de los colores. En torno a Nijinsky y la abstracción. FUNDACIÓN MAPFRE

Pone de manifiesto la influencia que ejerció la danza en las artes plásticas modernas. El interés por representar el movimiento del ser humano en el espacio fue una preocupación de los precursores de la abstracción, que muy probablemente fueron testigos hace un siglo en París de la irrupción de los Ballets Rusos.
En esta exposición se dan a conocer un conjunto de dibujos prácticamente desconocidos de Vaslav Nijinsky, la estrella de los Ballets Rusos. Acompañados de otras grandes obras como la dinámica y el ritmo de: Frantisek Kupka, Sonia Delaunay-Terk, Alexandra Exter, Vladimir Baranov-Rossiné.
Kupka traslada al lienzo el ritmo y los movimientos giratorios del cuerpo que danza, que en su aceleración se convierten en alocada confusión de superficies de color.El gran afán artístico de Delaunay-Terk fue extender la teoría de la coloración simultanea a todos los ámbitos de la configuración estética. Así da lugar a una danza que crea diferentes ritmos sobre la superficie del cuadro.
Las obras de Exter son definidas por las casacadas cromáticas, en los que segmentos circulares evocan el encanto resplandeciente de la luz eléctrica; compartía con Nijinsky un marcado sentido del ritmo y el movimiento.
En las pinturas y esculturas de Baranov-Rossiné es fundamental la proporción guardada entre uno y otro movimiento, fue quien creó espacios completamente nuevos, repletos de energía que sugieren dimensiones infinitas.
Muchas de las características vistas en estas obras las podemos apreciar en las composiciones de Nijinsky. Fue bailarín y coreógrafo. Creó una importante cantidad de dibujos a lápiz y ceras en los que plasmó sobre el papel muchos de los movimientos ejecutados sobre el escenario. Predomina la forma circular y el rito pronunciado, además de cierto primitivismo, una acentuación de lo lineal y una peculiar textura de relieve en la configuración del espacio. Por el atrevimiento de su visión, su modernidad y su alto grado de abstracción, los dibujos de Nijinsky se encuentran muy próximos a las pinturas, dibujos y esculturas de los otros artistas de la exposición, que todos ellos invitan a participar en una perpetua danza de los colores.

Mirar sin ser visto. De Ticciano a Picasso. FUNDACIÓN MAPFRE

Constituye una aproximación al género a partir de 33 obras maestras de los siglos XVI al XX, pertenecientes a uno de las pinotecas más importantes de Ámerica Latina; el Museu de Arte de Sáo Paulo Assis (MAPS).. De Ticciano, Velázquez, Goya, Fans Hals, Van Dick, a Corot, Manet, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Modigliani o Picasso, prácticamente todos los grandes maestros están presentes en la muestra.Los primeros retratos considerados autónomos, exentos de la arquitectura, surgen en el siglo XIII y alcanzan mayor desarrollo un siglo después. Estubieron protagonizados por la realeza, el alto clero y la nobleza. Este tipo de retrato, habitual hasta finales del siglo XVIII, más que la representación de la individualidad, lo que prima es la exaltación del poder, el estatus del protagonista. Por ello se les conoce como retratos de solemnidad o también de Estado.
Se muestra al retratado como alguien especial, casi exento de los accidentes del paso del tiempo. Por eso parecen atemporales (solamente su indumentaria y sus atributos nos permiten reconocerlos). Por ejemplo los firmados por Goya, Van Dick o Frans Hals; en ocasiones sobre un fondo neutro, casi siempre en poses hieráticas, afirmativas, de cuerpo entero o de medio cuerpo.A partir del siglo XIX, el retrato se transforma; el estatus cede ante la persona. Más que a la representación real, ritarre, en la modernidad se tiende al imitare.La modernidad rompe con el principio de congelación de la vida psíquica y corporal propia de los retratos solemnes e introduce el movimiento. Con la irrupción de la fotografía, el artísta goza de mayor libertad para realizar su obra. “ya se parecerá” era lo que respondía Picasso a los que se extrañaban al ver su retrato de Gertrude Stein,Es el propio artista quien nos revela al personaje, quien lo interpreta, incluso prescindiendo del modelo, del parecido físico. Asistimos a un proceso de deconstrucción que empezó por Cézanne y el impresionismo, y que culmina con picasso y el cubismo. Poco tiene que ver el busto de hombre con el retrato casi fotográfico que Manet realiza a Marcellin Desboutin tres décadas antes.

"La torre" de Leandro Erlich. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO REINA SOFÍA

Leandro Erlich (buenos Aires, 1973) ha conseguido un importante reconcocimiento crítico tras una intensa trayectoria expositiva que arranca en los primeros años noventa. En sus trabajos pone en cuestión la visión de la realidad porque el artista altera nuestra percepción mediante estrategias de simulación y efectos escenográficos que crean ilusiones ópticas.Los espacios cotidianos y aparentemente insignificantes que habitamos, como son un pasillo, un ascensor o las escaleras de un edificio...lugares aparentemente intrascendentes y muy habituales, están llenos de información sobre cómo interactuamos, incluida una información emotiva ligada a nuestra memoria y experiencias, son los elegidos por Erlich para crear sus escenarios. A partir de espejos, critales, agua y otros artificios fácilmente detectables, el artista manipula la visión de lo real y emplaza al público visitante, asombrado y desconcertado, ante una situación en la que aquello que consideramos "normal" es puesto evidencia. Cuestionar nuestra existencia, así como la verdad empírica. Es decir; desvelar diferentes niveles de verdad existentes en la realidad cotidiana, es el fundamento de la obra de Leandro Erilch.

Tiene otras obras como; La Pileta, 1999, es una gran caja implantada en la tierra, que simula una piscina llena, pero que en realidad no contiene agua en su interior sino una tapa de metacrilato con sólo una lámina de agua, produciendo la sensación de que el público, que accede por el subsuelo a uno de sus costidanos, queda sumergido en el fondo de las piscina. Se pone de manifiesto uno de los principios que rige el trabajo de Erlich: la simplicidad. El hecho de que algo extraordinario pueda suceder de manera tan simple, es uno de los propósitos del artista.

En la obra Le Cabinet du Psychoanalyste, 2005, se interroga sobre la practica psicoanalista y los conceptos básicos de la constitución del yo. Esta obra está construida como un espacio dividido en dos por un cristal.
En sus últimas obras, Carrousel, 2008, Erlich transforma un tiovivo en un apartamento con sus diferentes y comunes estancias: salón, cocina, comedor, cuarto de baño y dormitorio. La constante rotación del tiovivo nos sume en la monotonía de nuestras vidas y en todos esos hábitos que se repiten sin fin. A pesar del carácter pesimista que se le puede atribuir a esta última obra, el trabajo de Erlich resulta más bien esperanzador ya que revela la capacidad que todos poseemos de sorprendernos y de entender y analizar nuestra experiencia.

Los trampantojos se hicieron habituales a partir del Barroco. De alguna manera significaron un paso hacia la modernidad, en cuanto consideraban al público como parte activa y absolutamente necesaria para el sentido de la obra. Exigen una implicación física y sobre todo intelectual del espectador, ya que sin él, no existe la trampa o la ilusión. Ninguna de las obras de Leandro Erlich podría ser explicada sin la acción del espectador y lo que la obra produce.


La obra que fui a ver era La Torre (2008), instalada en el patio de la ampliación Nouvel y producida específicamente para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía es un edificio de pisos que funciona como un enorme periscopio. Un dispositivo de espejos invita al espectador, situado en la parte baja, a ver lo que está sucediendo en la parte superior y viceversa. Las personas situadas en el interior de la instalación que simula el pasillo de un edificio de apartamentos, parecen flotar en el espacio en el espacio a los ojos de los espectadores que miren desde fuera por las ventanas. Se crea así un complejo juego de perspectivas en el que se desarticula nuestro sentido de la orientación y se nos hace sentir la experiencia de desafiar la ley de la gravedad. Un espacio donde establecer una relación distinta entre quien mira y quien es observado. El espectador se convierte en activo performer que ve y es visto a la vez.

Leandro Erlich es actualmente uno de los artistas latinoamericanos que gozan de mayor resonancia internacional. Sus obras se han podido ver por ejemplo en la Bienal de Estambul (2001 y 2005), en el Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona (2003), en la exposición Nôtre Histoire, Palais de Tokio, París (2006) y, recientemente, en la Bienal de Liverpool y en el PS1 de Nueva York.



fuente: folletos informativos del Reina Sofía y las imágenes excepto una, son de internet.

Pigmentos y colorantes

Los colores que cubren o tiñen las superficies proceden de unas sustancias que llamamos pigmentos o colorantes. Los pigmentos son polvos que se mezclan con un aglutinante que permite extenderlos con facilidad (los deja adheridos al soporte), y que determina la clase de pintura: óleo, acuarela, acrílico… la mezcla de pigmento con el aglutinante revela de inmediato algunas características importantes.
El rojo púrpura se oscurece fuertemente, mientras que el más anaranjado no varía su luminosidad. En el primero la luz penetra fuertemente y refleja un carmín oscuro, y en el segundo, el pigmento absorbe selectivamente desde la superficie las ondas cortas y medias y sigue siendo el mismo rojo.
El pigmento posee la propiedad de absorber la luz en una o varias longitudes de onda. El aglutinante, por el contrario, no debe absorber ninguna. Las moléculas del pigmento son recogidas por el aglutinante en forma de racimos. La luz que recibe esta pintura penetrará y será absorbida selectivamente por el pigmento.
Si es por ejemplo un pigmento azul, las moléculas absorberán las radiaciones de onda larga y liberarán las medias y cortas. Si los grupos de moléculas son demasiado grandes, la luz penetrará poco y reaparecerá con el color de las bandas no absorbidas; un tono débilmente azul porque no todas las ondas se han filtrado.
Si el polvo del pigmento es más fino, la luz penetrará más en profundidad y las radiaciones de longitud de onda larga serán absorbidas en su totalidad; el color que percibiremos entonces será un azul fuertemente saturado.
Con el polvo más fino aún , la capa de pintura puede comenzar a hacerse transparente y perder poder colorante por atravesar todo el espesor la luz que no es absorbida y llegar al soporte. En algunas pinturas muy transparentes para evitar esto se añaden polvos que refractan la luz (como el blanco de titanio). Por ejemplo esto ocurre a veces con el amarillo aunque depende de la marca de la pintura
La característica que diferencia los pigmentos de los colorantes es que los pigmentos no se mezclan con el aglutinante y quedan en suspensión, mientras que los colorantes se disuelven en él. En las tintas y pinturas trasparentes la luz no absorbida atraviesa hasta el fondo. Pero si el fondo del soporte es blanco, el doble filtrado de la luz hará más saturado el color transmitido pero si el fondo es negro no quedará color porque el negro absorbe las radiaciones transmitidas.
Estas pinturas transparentes pueden presentar una concentración de colorante o de pigmento variable según se haya disuelto más o menos en su medio; si la disolución ha sido casi completa, la pintura no absorberá ninguna radiación y dejará pasar casi toda la luz.
Si aumentamos la densidad diluyendo menos el pigmento o colorante, se puede obtener el nivel adecuado de coloración correspondiente a ese pigmento. Una vez alcanzado ese nivel óptimo de saturación, si seguimos aumentando el espesor de esa capa de pintura, ya no podremos incrementar su intensidad. Incluso podría ocurrir que algunas de las radiaciones que antes eran devueltas y nuevamente filtradas desde la base, ahora se pierdan en el espesor de la misma capa y absorban su propia coloración; esto daría como resultado un color del mismo tono, pero más oscuro y menos saturado.



fuente: jose maria gonzalez cuasante, "introducción al color".

círculo cromático de colores primarios

El círculo cromático se basa en el tránsito entre los 3 colores primarios de pigmentos ; magenta, cyan y amarillo. Es una rueda de 12 colores en total, 3 de transición entre cada primario.
No tuve muchas complicaciones porque no es un trabajo muy dificil, aunque lo peor fue conseguir el tono adecuado a ambos lados del amarillo porque siempre me quedaban muy oscura la transición del amarillo al cyan y del amarillo al magenta, aunque conseguí aclaralo bastante creo que el resultado final estos tonos seguían un poco oscuros.
Lo que me pasó fue que al despegar la cinta que servía para cubrir los bordes, se me despegó parte del papel y tuve que ingeniármelas para hacer que no se notara mucho. También me equivoqué con las dimensiones del círculo y lo hice un poco más grande ; pero al final quedó un trabajo bastante vistoso y me dio tiempo ha hacerlo en las 3 horas de clase.

bodegon en ocre

este bodegón me ha costado más trabajo y me ha llevado más tiempo hacerlo pero creo que el resultado final es algo mejor que el primero de tonos grises.la dificultad mayor es imaginar la correspondencia de los colores reales en los tonos ocres en los que hay que pintar el bodegón dependiendo de la luz. a mí me salió las zonas oscuras en una clave muy baja ; me salió demasiado oscuro y en cambio las zonas claras las hice en una clave muy alta; demasiado claro. pero por lo demás no tuve mucha más complicación. He aprendido a dar una aguada de color antes de empezar a pintar para eliminar el blanco del papel (cosa que no hice con el anterior bodegón) y también a pintar por planos en vez de por manchas sucias y borrosas que antes me salían. El encajado no me quedó muy perfecto; me resulta muy complicado dibujar tal como se ve en la realidad, porque nunca queda igual pero se disimuló muy bien una vez que empecé a dar color

arte andaluz

La mezquita de Córdoba:
La Mezquita de Córdoba no es sólo el símbolo de Al-Andalus, sino un monumento fundamental de todo el Occidente islámico y uno de los más asombrosos del mundo.
Es el reflejo artístico del poder de uno de los estados políticos más importante de occidente en los siglos IX y X: el Emirato y Califato de CórdobaLa construcción que ha perdurado es la sucesión de edificaciones iniciada por Abderrahmán I sobre la iglesia cristiana de San Vicente, en la que reaprovechó abundante material, ampliada posteriormente por Abderrahmán II, Alhaken II y Almanzor. La reforma más desastrosa se lleva a cabo en los siglos XVI y XVII con la eliminación de parte de los trabajos de ampliación de Abderrahmán II y Almanzor para construir la catedral cristiana. Es un enorme cuadrilátero de grandes arquerías y de 24.000 m2 de superficie.
Las partes más importantes del edificio son el antiguo alminar o torre, el patio y la sala de oración.


Palacio de Medina Azahara, a 7 Kms. de Córdoba, fue levantada por orden del califa cordobés Abderrahman III en el siglo X , para ser la capital del Califato, residencia real y sede del gobierno con el fin de reflejar el esplendor del califato y todo el lujo, magnificencia y poder del último de los grandes califas cordobeses.Las obras de Medina Azahara duraron algo más de 25 años. 75 años después estalló la Guerra Cicvil en Al-Andalus y los saqueos, los enfrentamientos y los incendios destrozaron la ciudad.
Medina Azahara estaba rodeada de una imponente muralla. Está dispuesta en tres terrazas: la superior (la que ha sido totalmente descubierta), la intermedia y la tercera, parte destinada al pueblo, que aún permanece sin excavar.
De todo este hermosísimo complejo de arte islámico palaciego destaca el Palacio de Zahra, y de éste sus dos grandes salones. La naves de los laterales se convierten en estancias independientes del Salón gracias a las puertas cuyas jambas llevan pilastras de mármol blanco espléndidamente adornadas.
El complejo urbano y residencial fue realizado con arquerías, capiteles, columnatas, muros, pavimentos cubiertos en su inmensa mayor parte por mármol blanco.
Destaca su extraordinaria decoración geométrica y floral. Se conserva en buenas condiciones el Edificio de Alcobas de la época de Al-Hakan II, una extraordinaria red de alcantarillado y aguas, fuentes jardines, paseos en mármol y estancias del ejercito y guardia del califa.

scarpia. córdoba

Scarpia: Es uno de los eventos artísticos más interesantes dentro del panorama nacional, son proyectos de jornadas de intervención artística dentro del espacio natural y urbano. Este proyecto a convivido con artistas contemporáneos. Muchos de los espacios del pueblo cordobés de El Carpio (de ahí el nombre del proyecto) han servido como soporte artístico para los nuevos lenguajes del arte contemporáneo. Scarpia utiliza en sus proyectos artísticos soportes audiovisuales, fotográficos, y textos de autores.
Estos son algunos ejemplos de obras expuestas para el interior (aunque las fotos no tienen mucha calidad)

exposición temporal de Rafael Señán. (CÓRDOBA)

Rafael Señán:
Fotógrafo granadino que retrató el día a día de la Andalucía del siglo XIX. Sus obras están esxpuestas en el Palacio de Viana. La exhibición muestra imágenes de las localidades de Córdoba, Granada, Málaga, Ronda, Sevilla y Tánger.
Señán es muy conocido por su faceta postalista, ya que llegó a editar cientos de postales de Córdoba con sus instantáneas más conocidas y que hoy en día también son fáciles de consegir. Rafael Señán González fue un excepcional profesional que creó en Granada un singular estudio especializado en la fotografía turística. Llegó a editar cientos de postales diferentes de Andalucía y obtuvo numerosos premios, entre ellos el premio de la exposición de El Cairo de 1895, en conmemoración de la construcción del Canal de Suez, el diploma de honor en la exposición de Granada de 1905, la medalla al mérito de la Sociedad Científica Europea, el primer premio de la exposición de Santander de 1906, en la sección de monumentos por su trabajo ‘Granada-Sevilla-Córdoba’, o la concesión del título de fotógrafo de cámara de Alfonso XIII en 1904, honor que le permitía incluir el escudo de la Casa Real en los cartones de sus retratos.

















También había fotografías que se podían mirar a través de unos "prismáticos" o "cámara" hechas por esteroscopia.
La esteroscopia o también conocida como fotografía tridimensional se basa en los principios descubiertos por Charles Wheastone, que en 1939 fabricó un complicado artilugio que permitía ver los dibujos geométricos como uno solo en 3 dimensiones. Fue David Brewster quien consiguió aplicar esta teoría a la fotografía desarrollando una cámara que realiza dos fotografías simultáneas y casi idénticas. se realizan en paralelo con una pequeña separación entre los objetivos de la cámara, imitando la distancia entre los dos ojos humanos. Así se muestran dos fotos con una pequeña variación en el encuadre y perspectiva. Y el visor por el que se observan obliga al espectador a unir en su mente la visión de las 2 imágenes y al fusionarlas apreciar la tridimensionalidad

fuente: resumen de los datos de folleto informativo y carteles de la exposición

"el patio de mi casa". CÓRDOBA

El patio de mi casa es una iniciativa impulsada por la fundación de artes plásticas Rafael Botí. Esta exposión presenta obras de 16 artistas contemporáneos de varios países en 16 patios privados y monumentales de Córdoba . Los patios son uno de los patrimonios más emblemáticos de la ciudad, mostrando un resumen de la multiculturalidad de Córdoba. Sus patios fueron desarrollados por la arquitectura árabe y mudéjar, alcanzando su mayor explendor en Andalucía.
Los patios tienen color y belleza. Constituyen pedazos de naturaleza y del espacio urbano abierto en los hogares privados.
Las obras, casi todas intervenciones específicas, han sido inspiradas por cada patio, o corresponden a proyectos adaptados a las situaciones del lugar. Su objetivo es aunar los tradicionales patios cordobeses con el arte contemporáneo. Sus temas tratan sobre arte y vida diaria, entre contemporaneidad, historia y tradición.

Pongo algunos de los patios que más me gustaron :

Magdalena Atria. Pintura con plastilina:

Su obra se trata de la elaboración de unos vistosos murales de inspiración orgánica en las paredes de un patio. Ha evolucionado la tradición pictórica tradicional utilizando otro material. La artista ha querido trabajar con la dimensión espacial de la pintura y aquí alcanza un nuevo registro. La materia y el color fluyen y trepan por las paredes. Dejan una vista maravillosa llena de colorido.

Mona Hatoum. Jardín colgante:
A lo largo de su carrera ha creado obras de apariencia simple para activar comentarios agudos y sobrecogedores sobre la opresión, la violencia, el control… este trabajo mezcla ambientes públicos y privados, dimensiones social y subjetiva en las que se desenvuelve nuestra vida. Sus instalaciones y esculturas dislocan las funciones originales de los objetos cotidianos descubriendo ahí la violencia. Por eso en esta obra ocurre un proceso contrario; de la barricada militar que interrumpe el acceso al patio brota la hierba, la vida en vez de la muerte, formando un jardín colgante.

Glenda León. instalación de tallos de mimbre y lazos de ropa interior femenina:
La artista creo flores casuales con los adornos de la ropa interior de mujer que recopiló a través de una convocatoria pública en la ciudad. Se dispersaron por todo el patio. Así se abandona la vieja idea de lo doméstico y de lo “interior” como dominio solo de la privacidad de cada uno. Por eso fueron instaladas en sitios públicos como patios; mezcla lo público y lo privado e íntimo.

Priscilla Monje. Intervención en la fuente del patio:

Su obra es íntima y sobrecogedora; de la fuente del patio brota sangre en vez de agua, contrastando con el ambiente tradicional del patio. Todo parece correcto y apacible pero en su trasfondo da a conocer la presencia de la violencia, y crueldad en la vida cotidiana, denunciando así los abusos contra la mujer hoy en día. Llega a rozar la crítica sobre este tema.

Cristina Lucas. Alicia de Córdoba:
La literatura y la fantasía del cuento de “Alicia en el País de las maravillas” se hizo presente en este patio. Es un trábajo muy llamativo por su gran tamaño y textura, plasticidad… construye una giganta atrapada por una casa que se le ha quedado pequeña; una prisión. La obra quiere reflejar las formas de opresión que están ahí pero se disimulan tras la pintura o barniz en los hogares. Esta fue sin duda la que más me llamó la atención y me gustó porque fue muy impactante.

Carlos Garraicoa. Principios básicos para destruir:
Su obra es un diálogo con la ciudad y la arquitectura. Garaicoa es un arqueólogo artístico del contemporáneo, que crea metáforas, críticas y filosóficas, sobre la historia y los problemas del mundo de hoy. Esta obra es una ciudad construida por terrones de azúcar que va siendo devorada por las hormigas que viven allí. Quiere hablar sobre el paso demoledor del tiempo, y las relaciones entre las obras creadas por el hombre y la naturaleza; al final murieron todas las hormigas; por eso es como una declaración ecologista pero al revés.

Cai Guo-quiang. Jardín en movimiento:
En esta obra se da a conocer la condición siempre dinámica de la naturaleza. Se toma como símbolo la tortuga, muy apreciado en la tradición china. Sobre su caparazón se han fijado elementos básicos que recuerdan a un jardín. Las tortugas vivas se van moviendo a su antojo por todo el patio. Es una obra muy llamativa en mi opinión y muy original. También me gustó bastante.

fuente: resumen de la revista cultural de Córdoba "paraíso" y de los carteles informativos de las obras.

visión cromática

Tono, valor y croma
La cualidad que más se diferencia al percibir yuxtapuestas distintas radiaciones del espectro es la del tono (o color).
El tono es la cualidad que nos permite clasificar los colores en rojos, naranjas, amarillos, verdes o azules.
La claridad estaría más relacionada con la luminosidad y brillo. La luminosidad aumenta o disminuye dependiendo de la intensidad del estímulo luminoso.
Otra cualidad del color es la saturación; como contenido de color de una superficie valorada según su luminosidad. Cuando este contenido está referido a otra superficie igualmente iluminada que parece blanca, hablamos de croma.
Estas diferenciaciones solo se pueden atribuir a las diferencias que existen entre los colores vistos como superficies emisoras (fuentes) o como superficies receptoras (dependientes), vistos en relación a otros colores, muchas veces se confunden las expresiones de luminosidad con claridad y saturación con croma.
En el mundo artístico la claridad suele denominarse como valor, el tono se suele llamar matiz y la saturación o el croma como agrisamiento, porque en realidad los colores poco cromáticos se aproximan a la escala de grises de los colores que sólo tienen valor y que van del blanco al negro.

Espacio psicológico del color:
Estas 3 cualidades sensoriales de la precepción cromática podrían formar una representación geométrica llamada sólido del color.
En él la claridad esta en un eje vertical con una escala de grises del blanco al negro, a su alrededor giran sus tonos variando continuamente (como aparecen en el espectro), esta ordenación se sitúa a un nivel intermedio entre el blanco y el negro y como el eje de claridad pasa por el centro de la circunferencia, determina un radio de progresivo aumento cormático; que sería la escala de saturación.
Este esquema elemental no siempre se ha entendido así; la ordenación se empezó a entender a partir de Newton.
La mayor diferencia entre este sólido cromático y el espectro es que en éste no existen púrpuras; en el sólido surgen como resultado de la mezcla de radiaciones de ondas cortas y ondas largas.
Una forma habitual de mezclar estas radiaciones se hace descomponiendo primero la luz blanca con un prisma, dejando luego pasar por una abertura solamente las radiaciones más cortas, después se hac igual con las radiaicones de onda larga y proyectando independientemente ambos rayos sobre la misma pantalla, se producen estos colores violáceos o purpúreos. También puede hacerse lo mismo filtrando los rayos blancos con los mismos filtros de azul y rojo y se proyectasen independientemente superponiéndose en la pantalla.

Metamerismo:
Se puede decir que el ojo, al captar las radiaciones, no percibe la composición espectral sino el resultado de su síntesis o mezcla. El ojo no analiza ni ve por separado cada longitud de onda.
Obtenemos unos mismos resultados perceptivos con gran variedad de estímulos; a este fenómeno psicofísico se le llama metamerismo. Dos colores son metaméricos cuando se perciben de manera semejante aunque sus propiedades físicas sean distintas. Por ejemplo dos colores naranjas formados por distintos pigmentos pero que se han igualado con la luz del día, si se observasen con otra luz, se verían más distintos; esto se debe al fuerte metamerismo.
Cuando los colores tienen la misma composición espectral se llaman isómeros y siempre son iguales. Los metámeros, colores aparentemente iguales pero de distinta naturaleza física, llegan a cambiar notablemente con distinta iluminación; aunque depende de los casos.
Este fenómeno repercute mucho en las mezclas pictóricas, donde los poderes de absorción, reflexión y trasmisión de las radiaciones puede dar lugar a coincidencias aparentes de color con estructuras distintas. Por eso pueden variar mucho los colores que surgen.

















fuente: Jose Mª Gonzalez Cuasante, Maria del Mar Cuevas Riaño, Blanca Fernandez Quesada, introducción al color, akal.

retrato de giacometti

James Lord, Retrato de Giacometti. La balsa de la Medusa. Madrid ISBN:84-7774-620-6
El libro es un relato que cuenta Lord James sobre la experiencia que tuvo al trabajar como modelo durante 18 sesiones para Alberto Giacometti. Mientras posaba, James Lord escribía pequeñas anotaciones sobre reflexiones de giacometti y con ellas pudo escribir el libro.
Comienza con un prefacio de su hermano Diego GIacometti escrito el 20 de julio de 1981 en el que cuenta brevemente el contenido del libro y las sensaciones que le han causado al leerlo. Se estructura en 18 capítulos (las 18 sesiones que tuvo para pintar el retrato) y una nota final.
A Alberto le gusta hablar de su obra, de sí mismo, de sus relaciones sociales…con su modelo mientras pintaba y eso provocaba que éste hiciese lo mismo.
Su mayor y único deseo como artista era llegar a ser capaz de representar lo que ve, hacer tangible lo intangible (según expresa él), hacer que se vean en el cuadro las sensaciones. Por eso era descrito por los críticos como “artista existencial”. Estaba muy obsesionado en la reproducción de cabezas y rostros; de hecho el retrato quedó inacabado porque se centró mucho en la cabeza y lo demás lo dejó como un primer borrador. Además de trabajar en este retrato, hacía un busto de su hermano Diego, un retrato de Caroline, dibujos y esculturas… de los que después se encargaba su galerista.
Uno de sus máximos referentes fue Cézanne (impresionista) porque según dice, se siente muy identificado con él; al rajar sus lienzos como él hizo con sus 30 dibujos, y dejar sus obras sin terminar.
En todas las sesiones tenía una visión negativa de su cuadro, adoptaba actitudes de completa desesperación, incluso decía que no servía para pintar porque no le salía la cabeza de James Lord. Tuvo que rehacerla en todas las sesiones; pero se podía apreciar como el retrato alcanza su culmen para, después, en minutos, volver a diluirse. Incluso amenazaba con abandonar el cuadro o destruirlo.. Era una persona sencilla que no se daba importancia, no se valoraba como gran artista; se negaba a confiar en sus logros pasados e incluso le sorprendía que la gente de la calle le reconociese. Habitualmente desesperado, pensativo, observador, melancólico…
Siempre trabajaban con luz natural y cuando anochecía lo dejaban para el día siguiente. Solía dibujar sobre los libros o revistas. Trabajar bajo presión le llevaba a obtener mejores resultados ya que su amigo tenía que regresar a Nueva York y todavía no tenía terminado el cuadro. Le gustaba que el modelo le mirase para captar la expresión de sus ojos. El retrato finalmente se lo llevo su galerista.
Me ha parecido una buena obra, ya que tiene mucho contenido y a la vez es muy fácil de leer y entender. Nada mas empezar a leer me sentí muy ligada a la situación y a ambos. Algunas frases que me llamaron la atención durante la lectura las fui anotando : “lo más difícil es hacer lo que mejor conoces”, “un retrato solo puede conseguir cierto parecido de realidad”, “prefiero Las hilanderas a Las Meninas”, “solo los bizantinos y Cézanne sabían dibujar”, “si me acostumbro mucho a ver un rostro característico, los demás los encuentro raros” “¡mírame o déjame que te vea!” ...

Como me ha parecido interesante este artista he buscado una breve biografía para conocerle:
Alberto Giacometti fue escultor y pintor suizo. Nació en un ambiente artístico, ya que su padre, Giovanni, era un pintor impresionista. Se inició en el dibujo y la plástica en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra, antes de trasladarse a París para seguir los cursos de escultura en la Academia de Grand Chaumière. En París entró en contacto con el ambiente cubista, y más tarde con el grupo surrealista, del que formó parte de 1930 a 1935. Sus obras de este período fueron muy personales, se reconoce la idea surrealista del simbolismo de los objetos.
El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo fueron en el preludio de la llegada de Giacometti a su estilo más singular y característico, el que desarrolló a partir de comienzos de 1940. Aparecen entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden estar representadas solas o en grupo.
Son estas obras las que han hecho de Giacometti uno de los artistas más originales del siglo XX, también en pintura, donde sus obras se caracterizan por figuras rígidas y frontales, simbólicamente aisladas en el espacio. En estas creaciones que representan la soledad y el aislamiento del hombre se ha querido ver un trasunto de la filosofía existencialista, y de hecho J.-P. Sartre, el máximo representante de la tendencia, reconoció en la obra de Giacometti algunas de sus ideas y escribió sobre ella. La familia y los amigos del artista fueron sus modelos preferidos, en particular su hermano Diego, al que reprodujo en numerosas esculturas, pinturas y dibujos.